6/2/16

VÍCTIMAS DE LA MODA

¿Hasta donde vamos para estar a la última?

CollageWaldemar Strempler

El término Fashion Victim - o Víctima de la Moda - no fue acuñado para ser utilizado literalmente. Más bien se refiere a aquellos que pierden el norte al intentar seguir tendencias que no son adecuadas a su físico o a la ocasión. Que las mini faldas vuelvan a estar en la lista must have de la temporada, no significa que todas tengamos que ponerlas. Lo mismo con las faldas largas, con los pitillos, con los colores flúor, con el mix de estampas o con cualquier otra tendencia. No todo queda bien a todos y cuando nos ponemos algo que nos queda fatal solo para ir a la última y nos dejamos llevar a merced de las tendencias sin tener un estilo propio, no somos más que víctimas de la moda.
Pero la búsqueda por la imagen perfecta y el deseo de estar a la última puede causar víctimas de verdad.
Aunque vivamos más que nunca por y para la imagen, las Fashion Victims no son algo de ahora. Existen desde hace mucho, desde que intentamos encajar en un patrón determinado, moldear nuestro cuerpo a una figura imposible o simplemente ser aquello que no somos para seguir una tendencia. Hablando del tema, lo primero que nos viene a la mente es el corsé. Las cinturas de avispa han causado daños a la salud de muchísimas mujeres. Y es que volviendo atrás en la historia, nos damos cuenta de que la mujer siempre fue mucho más víctima de la moda que el hombre. ¿Nos lo hacemos nosotras mismas, exigiéndonos lo imposible, o son los hombres los que intentan de alguna manera mantenernos bajo control sometiéndonos a verdaderas torturas para estar más guapas? Y si es así: porque lo aceptamos? 


"¿Nos lo hacemos nosotras mismas, exigiéndonos lo imposible, o son los hombres los que intentan de alguna manera mantenernos bajo control sometiéndonos a verdaderas torturas para estar más guapas? Y si es así: porque lo aceptamos?"


Volvamos al corsé, ese mecanismo de tortura, tatarabuelo de la faja, que comprimió y oprimió a las mujeres en el siglo XVI. Su propósito inicial era conseguir una forma cónica y rígida en el torso, moda exigida para las damas de la aristocracia y la nobleza. El corsé gritaba: tengo a gente que me sirve en todo. No tengo siquiera que moverme. Popularizados en la corte de los Medici, los primeros corsés eran totalmente realizados en metal. Sin más comentarios.
A lo largo de los siglos el corsé se va adaptando a los nuevos materiales. Se hacen con tela y se mantienen rígidos a través de un complejo patrón en el que se insertan varillas de metal, madera o hueso. También cambia para adaptarse a nuevas formas, aunque, maldito sea, no desaparece del todo hasta principios del siglo XX con el final de la Belle Epoque y el estallido de la Primera Guerra Mundial. Deformaciones, desplazamiento de órganos, problemas respiratorios, alteraciones de funciones digestivas o abortos estaban en la orden del día. Todo por la moda.
Paul Poiret y Chanel fueron defensores del abandono del corsé creando una nueva figura femenina, más libre y natural, con sus diseños. Cuando, después de la Segunda Guerra Mundial, en 1947, Christian Dior volvió a aprisionar a la mujer en la cinturita de avispa de su “New Look”, Chanel, que se había alejado de la moda, decide volver para luchar, una vez más, contra el aprisionamiento de la mujer. Que mala hostia y que fuerza tenia esta mujer. Que Dios la bendiga.


"Popularizados en la corte de los Medici,
los primeros corsés eran totalmente realizados en metal."



Por se fuera poco, los corsés no se utilizaban solos. Con la intención de dar un aspecto todavía más estrecho a la cintura, había que aumentar las caderas. Hablamos de panniers, enaguas, crinolinas, miriñaques, polizones y una extensa lista de pertrechos que hacían parte de las prendas interiores de una mujer, con la intención de hacer con que sus faldas alcanzaran un volumen extraordinario. Quizás para que fueran inaccesibles a cualquier hombre que no fuera su marido, único que supuestamente tenía acceso a ese enredado laberinto, con el muy ilustrativo aspecto de jaula. A la mitad del siglo XIX, el tamaño de las faldas eran tan monumental con el uso del miriñaque que era imposible que dos mujeres se sentaran juntas en un mismo sofá. Quizás, ese fuera el truco para impedir la rebelión femenina. Aplastadas, ahogadas e incomunicadas víctimas de la moda.

Hace poco leí, en un artículo de Virginia Mendoza, que Oscar Wilde perdió a dos hermanas abrasadas por culpa de sus enormes faldas en 1871. Un horror. El New York Times estableció un promedio de tres muertes semanales a causa del miriñaque o crinolina. No es broma. Según el periódico The Guardian “Además de las muertes por incendio, ha habido muchas por aplastamiento bajo las ruedas de los carruajes y maquinarias en espacios reducidos”. 


Fotos: Michelle Du Xuan for Tush via Fashion Gone Rogue


Además de la moda, la belleza también es una obsesión que nos persigue, sobre todo a las mujeres, desde hace mucho tiempo. Siempre nosotras. Hace poco en el programa Cuarto Milenio, de Iker Giménez presentaron una gran variedad de aparatos impresionantes que se utilizaban con el objetivo de cambiar la forma de la nariz, quitar la papada, provocar el rubor natural a través del calor o del frío, rizar el pelo o quitarse las pecas. Las imágenes eran estremecedoras. En cuanto miraba el programa con ojos desorbitados me di cuenta de que hoy en día hacemos las misma aberraciones, aunque con instrumentos y maquinarias algo más sofisticadas. ¿Hasta donde estamos dispuestos a llegar para mejorar nuestro aspecto físico y nuestra imagen? La liposucción, las cirugías plásticas, el uso del silicona, del bótox o los tratamiento con láser son tan o más estremecedores e nuestra búsqueda por un cuerpo perfecto infelizmente sigue haciendo víctimas mortales. Quizás en el futuro habrá alguien que nos mire con ojos desorbitados pensando que salvajes éramos en el siglo XXI. Quizás algún día aprendamos algo de todo eso. O no.



5/2/16

2.55

El 5 de febrero de 1955,
Chanel lanzó el bolso que sería un icono de su marca:

2.55


Sus cadenas doradas han liberado las manos de las mujeres que,
hasta entonces, llevaban bolsos de mano.


Son necesarias hasta 18 horas de trabajo artesano,
según la piel que se utilice, para crear un bolso 2.55


El 50 por ciento de los modelos se realizan en negro.


El famoso bolsillo interior para la barra de labios


En la fabricación de cada bolso intervienen de 6 a 15 personas
Cada una pasa por un período de aprendizaje de varios años.


El doble bolsilllo es una de sus señas de identidad.


51 años después, el 2.55 sigue siendo tan o más actual y deseado
como el día de su lanzamiento.
Enhorabuena Chanel.
Feliz aniversario, 2.55.

25/1/16

Adiós a André Courrèges

El diseñador que vino del futuro

Mal empezamos el año, nos dejan para siempre grandes nombres de la música y de la moda. Quizás el choque por la desaparición de David Bowie haya ofuscado la partida de uno de los grandes nombres de la moda del siglo 20: André Courrèges. Nacido en 1923, en Pau, Francia, Courrèges se mudó a París con 25 años, después de haber terminado sus estudios en ingeniería civil. Llegando a la capital, encuentra trabajo en una empresa de diseño textil y allí conoce a nadie menos que Cristóbal Balenciaga, para quien trabaja durante 11 años.

Entre lo que aprendió del maestro Balenciaga y su formación como ingeniero, Courrèges desarrolla un estilo muy propio, reconocido principalmente por haber introducido en la escena de moda francesa un concepto revolucionario: la moda de la "Era Espacial".

En los años 60, el envío de cohetes al espacio y la posterior llegada del hombre a la luna, en 1969, influenció muchísimo la vida aquí en la Tierra. El impacto se notó en la música, el mismo David Bowie habló de ello con su "astronauta" Major Tom (1969), en el cine, con la mítica película "Barbarella" (1968) de Roger Vadim y, como no, en la moda con André Courrèges.

"Courrèges fue uno de los diseñadores
más influyentes de su época."

La colección "Era Espacial", lanzada en 1964, incluía botas, gafas, pantalones ajustados y vestidos por encima de las rodillas. De hecho, tanto él como Mary Quant se han proclamado como inventores de la minifalda. Courrèges diseñó jerséis que brillaban en la oscuridad, bañadores sexis, parkas de plástico, conjuntos y vestidos deportivos. Utilizaba colores ácidos y formas geométricas: sus diseños se basaban en cuadrados, trapezoides y triángulos.

Fue uno de los diseñadores más imitados de su tiempo. La colección "Era Espacial" hizo con que el mercado se llenara de faldas de plástico, botas blancas y diseños geométricos. Su carrera como diseñador frente a la Maison que llevaba su nombre tuvo su apogeo en los años 60 y 70.

En 1972 Courrèges diseñó el uniforme para los 15.000 participantes de la comitiva de los juegos olímpicos de 1972, con 10 diseños diferentes. En 1973 lanza su línea masculina, Courrèges Homme. En 1979 diversifica su producción con artículos de cuero y productos de belleza.

En los años 90, cuando cumple 70 años, Courrèges, aunque no se retira totalmente, pone a Jean Charles de Castelbajac como diseñador frente a la Maison Courrèges. Su mujer, Coqueline, siempre participó activamente del trabajo de su marido y con él formó una de las parejas más interesantes de su tiempo. Después de años en "pausa", sobre todo por la enfermedad del diseñador, que empezó a sufrir el mal de Parkinson, la Maison volvió a la acción y el 50 aniversario de la firma se celebró, entre otras cosas, con una reedición de su mítica chaqueta de vinilo.

Jacques Bungert y Frédéric Torloting, dos ex publicistas franceses, fueron los escogidos por Coqueline como "herederos" del legado de su marido y son los dueños y responsables por la nueva fase de la Maison Courrèges. En la actualidad la marca cuenta con dos jóvenes directores creativos, Vaillant y Meyer, conocidos por su trabajo para Coperni.

Courrèges ha dejado un archivo con 25.000 modelos diseñados y su tienda, cerca de Champs-Élisées, sigue impresionando con sus 210m2 de modernidad. Gran nombre de la moda, su influencia se deja notar en diseñadores como Karl Lagerfeld (1933), así como en otros más jóvenes, como Marc Jacobs (1963).
Me lo imagino ahora mismo creando para Bowie un outfit intergaláctico,
en el sitio donde ambos se merecen estar:
entre las estrellas.

19/1/16

Moda & Responsabilidad Social

El Grupo Prada inaugura una nueva pagina web para dar a conocer sus acciones de responsabilidad social corporativa.

Es un movimiento lento pero imparable. La moda, digan lo que digan, está buscando nuevos rumbos. Lo veo cada día, en las redes sociales, en la calle, en las conversaciones de la mesa de al lado, en las revistas. Pequeños negocios que van poco a poco ganando nuestra confianza y nuestro respeto. Pequeñas empresas que valoran una producción pequeña, artesana y más cercana. Movimientos, grupos, manifestaciones por un mundo mejor, por un aire más puro y un planeta más limpio, por industrias más respetuosas con el entorno y por trabajos más dignos. La mentalidad, señores, está cambiando. Y con ella, cómo no, cambia la moda.
La noticia de la semana fue el lanzamiento del programa de responsabilidad social corporativa del italiano Grupo Prada, uno de los grandes nombres internacionales de la moda y del lujo. Siempre muy relacionado con el arte, el Grupo Prada, con Miuccia Prada al frente, amplía fronteras y decide enseñar al mundo que hace mucho más que moda, con una nueva pagina web que presenta todos los proyectos en los que el Grupo Prada está involucrado.
Pero, ¿sabemos qué es la responsabilidad social corporativa? La RSC es una forma de gestión que se define por la relación ética y transparente de la empresa con todos los públicos con los que se relaciona y el establecimiento de los objetivos corporativos que impulsan el desarrollo sostenible de la sociedad, preservando recursos ambientales y culturales para las generaciones futuras, respetando la diversidad y promoviendo la reducción de las desigualdades sociales.
El concepto aparece ya a finales del siglo XIX, cuando algunos empresarios industriales en Europa y en los Estados Unidos empezaron a preocuparse por la vivienda y el bienestar de sus empleados. La denominación RSC -responsabilidad social corporativa- o RSE -responsabilidad social empresarial- aparece entre los años 50 y 60 en los Estados Unidos, pero solo en los 90 se empieza a utilizar en Europa, tomando fuerza y evolucionando con la globalización.
En los últimos veinte años, el Grupo Prada ha demostrado interés por proyectos en los campos de la cultura y la sostenibilidad. Con su nueva web csr.pradagroup.com la Fondazione Prada pretende reunir sus historias de pasión y compromiso, de creatividad, de respeto a la tierra, diálogo con las comunidades y restauración del legado artístico. De acuerdo con el presidente del Consejo de Administración de Prada, Carlo Mazzi, "la belleza, la creatividad y la calidad han sido siempre los principios del Grupo Prada. Naturaleza y humanidad son la base de estos principios.

El respeto por el medio ambiente y las personas son prioridades de nuestra conducta en todo momento, tanto dentro de nuestra empresa como en nuestra relación con socios, proveedores, clientes e instituciones". Dividida en tres secciones principales, la web reúne proyectos apasionantes que merecen una larga y cuidadosa visita, todos tocados por la mágica mano de Miuccia Prada. Nada mal para una chica italiana que, después de estudiar Ciencias Políticas y militar en el Partido Comunista, tuvo que hacerse cargo del negocio familiar, una marroquinería fundada en 1913 por su abuelo. Hoy es una de las mujeres más ricas de Italia y tiene muy claro que la ropa "puede ser un poderoso instrumento de implicación social". Sin duda, una excelente noticia.
Artículo publicado en el periódico El Día 19/12/15
Lo puedes leer online aquí.

16/1/16

Bye, Bye, Bowie


Las manifestaciones de cariño despertadas por la noticia del fallecimiento de David Bowie
son la mejor prueba de la admiración que despertaba.
Artista multidisciplinar y multigeneracional, Bowie sin duda fue/es uno de esos personajes
a los que nos gusta llamar adelantados a su tiempo.
En su caso incluso se especula, con un toque de broma pero con total naturalidad,
 que haya venido de otro planeta.



Camaleónico, histriónico, excéntrico, creativo y, sobre todo, libre,
Bowie no temía poner su corazón en la mesa
al mismo tiempo que se mantenía a una distancia casi celestial.
Bailó por encima de los tabúes que cada década nos proponía, sin definir nada.
Permitiéndolo todo, menos que le pusieran etiquetas.



Su sexualidad era asunto suyo y cuando todos pensaban que era un gay alocado,
se casó con la Top Model Iman,
con la que tuvo una de las más longevas relaciones del show business.
Enseñó a todos que ser distinto no está mal
y que no siempre tenemos que ser, o hacer, lo que se espera de nosotros. 
Como todo genio, coqueteó con drogas, sexo y rock'n'roll,
quizás para calmar la profusión de álter egos que llegaron con él a la tierra.


Ziggy Stardust, Aladdin Sane, Major Tom, The Thin White Duke y tantos otros personajes
a los que ha dado vida y que seguramente habitaban en su interior.
Se dice que tenia obsesión con la esquizofrenia, quizás por miedo de sufrirla,
quizás buscando una manera de canalizarla.
Fuera lo que fuera, lo ha hecho bien.



Su pupila dilatada, que despertó tantas historias, sumó rareza a su ya andrógino look y poesía a su figura:
que la luz entre a raudales puede ser maravilloso y asustador al mismo tiempo.
Muy pocos artistas han utilizado la imagen y la ropa para comunicar como él,
lo que ha hecho que su influencia en la moda sea inmensa
y que haya colaborado con varios diseñadores a lo largo de su carrera.



La revista Dazed publicó una entrevista que Bowie le hizo a Alexander McQueen en 1996, a la que puedes acceder aquí.



La revista Vogue hace una recopilación de imágenes
que demuestra por qué Bowie fue/es un ícono de estilo.
La portada de Vogue París con Kate Moss trasformada en Ziggy Stardust
en foto de Mert & Marcus es una de las imágenes a las que puedes acceder aquí.



También la revista Another ha dedicado un reportaje tributo a Bowie
Con fotos y declaraciones a las que puedes acceder aquí.

Y si eres fan, como yo, aquí tienes un regalito.

Bájalos en alta definición y nunca dejes de jugar.

Bowie paperdoll 1
Bowie paperdoll 2
Bowie paperdoll 3
Bowie paperdoll 4

18/12/15

· CALENDARIO 2016 ·

Cartulina blanca 120gr tamaño A4
Impreso en negro
Percha de metal dorado mate con pinzas




Pide el tuyo aquí.

12/12/15

Sapeurs - La elegancia y la moda como protesto


Ellos podrían estar en cualquier blog de moda masculina del mundo, pero han nacido muchísimo antes de que siquiera soñáramos con la internet. Quizás sean el movimiento más interesante relacionado con la moda dentro de la sociedad africana. Yo diría que es uno de los movimientos más interesantes relacionados con la moda. Punto. Y pensar que yo no los conocía hasta hace muy poco.



La SAPE - Société des Ambienceurs et des Personnes Élegantes - Sociedad de Animadores y Personas Elegantes, en castellano, es más una prueba de que la moda está estrechamente relacionada con los movimientos culturales, políticos y sociales, y va mucho más allá que las tendencias para la próxima temporada. La SAPE y sus seguidores, conocidos como Sapeurs, quizás sean el mejor ejemplo de ello, ya que combinan estilo y revolución social desde hace casi un siglo.


El movimiento es esencialmente masculino y nació a principios del pasado siglo, cuando la actual República Democrática del Congo todavía se llamaba Zaire. Un período turbulento en el que se buscaba imponer una cultura y un vestir europeo a los nativos de las que entonces eran colonias belgas y francesas. Tentando "civilizar" y combatir la desnudez de los nativos de esas "salvajes" colonias africanas, los franceses traían ropa europea de segunda mano, en cuanto ellos mismos, las altas clases burguesas europeas que se instalaban en las colonias, se vestían con trajes refinados al mejor estilo Dandi de la época. Muchas veces utilizada como elemento de seducción o como pago por servicios prestados en lugar de dinero en efectivo, la ropa ha adquirido un significado especial en esta nueva, violenta y rudimentaria sociedad.






Y fue así que, antes de darse por vencidos por el blanco colonizador, un grupo de hombres ha decidido utilizar esta misma ropa de estilo europeo como un acto de protesta. Adoptaran las costumbres y los comportamientos del dandismo europeo, agregándole formas y colores vibrantes típicamente africanos. Sus modos elegantes y refinados, un desafío a aquellos que les creían criaturas salvajes a ser domesticadas.

El shock que provocan esos maravillosos hombres con sus elegantes trajes de colores vibrantes, todavía hoy, en los caóticos escenarios del Congo, hace que los Sapeurs sean estudiados y admirados en todo el mundo. El movimiento fue fundado casi sin querer por André Matsoua, que replicaba las maneras refinadas y caballerescas, así como la forma de vestir del hombre blanco, pero con una elegancia y una sensibilidad totalmente nuevas para el lugar y la época.



Adaptando el imaginario europeo a su realidad y alimentada por las diferencias sociales, la SAPE se ha ido fortaleciendo y nutriendo, sobre todo con los movimientos culturales y musicales de los años 50 y 60. Con el fin de la época colonial y la división del territorio en dos países - República del Congo y República Democrática del Congo - muchos Sapeurs han viajado a Europa, llevando el movimiento y su peculiar estética fuera de las fronteras africanas.





Pero es en las favelas y en los barrios pobres de Brazzaville o Kinshasa, las capitales de los dos países, que los Sapeurs encuentran su lugar. Poseedores de un exquisito sentido estético y una fuerte identidad visual en su manera de vestir, esos hombres generalmente hablan muy bien el francés y muchos también inglés. Algunos siguen comprando sus ropas en tiendas de segunda mano, otros, de mayor poder adquisitivo, compran en las mejores tiendas del mundo y ese es justamente lo más interesante en este grupo: la diversidad de clases, colores y costumbres. Entre ellos existen ricos y pobres pero su sentido de la moda y sus costumbres siguen siendo las mismas.

Estos modernos dandis africanos desafían la pobreza a golpe de color y estilo, demostrando que, aunque no puedan cambiar su entorno y su realidad, ellos son lo que han escogido ser: caballeros elegantes y animados, a pesar de todo.  Determinados a crear una identidad propia y reconocible, los Sapeurs nos dicen a gritos que la moda es comunicación y también acción. Vestirte, y no solo des-vestirte, puede ser un acto de rebeldía hacia aquello que te oprime y un espléndido gesto de esperanza que camina, colorido y altivo, hacia al futuro. Menuda lección.

Aunque sea un movimiento centenario, La SAPE sigue tan o más actual que nunca. Después de la edición de una recopilación fotográfica de Daniele Tamagni llamada "Los caballeros de Bacongo", que tuvo prefacio del diseñador Paul Smith, los Sapeurs han servido de inspiración para videoclips musicales y para una campaña comercial de la cerveza Guiness que ha capturado la esencia de estos dandis modernos en imágenes impactantes y con un texto que empieza así:. "En la vida, no siempre puedes escoger lo que haces, pero siempre puedes escoger quien eres". Toda una declaración de intenciones que podría muy bien ser el lema de la SAPE. Inspirado por el libro y por el movimiento, Paul Smith también ha llevado a su pasarela el look colorido de los Sapeurs.

La SAPE en acción en el mini documental de la cerveza Guinness: